Ha partecipato a numerose rassegne artistiche, nazionali ed internazionali, collettive e personali, ottenendo ampi consensi di pubblico e di critica. Ha iniziato ad esporre, nel 1991, nella Sala comunale d’arte di Trieste; a partire dal 1999 forme di paesaggio urbano hanno segnato l’avvio ad un percorso di ricerca, che negli anni si è affinata ed orientata verso aspetti ed oggetti del reale sempre più sfrondati, spogli fino all’essenzialità. In questa fase ha esposto entro il circuito regionale, attento agli accadimenti ed alla sperimentazione artistica, concentrato nel definire il suo percorso personale. Fin dall’inizio si è sentito attratto dalla ricerca di senso della realtà, che diventa un nodo tematico preminente e si concretizza in un naturalismo descrittivo e simbolico. Il fatto che dalla fine degli anni ‘80 il fenomeno delle avanguardie sia esploso in un proliferare di manifestazioni artistiche, senza più ordine, né direzione e senza seguire un’ideologia nell’apoteosi della libertà di espressione non lo disorientò, ma, anzi, rafforzò una scelta difficile: tendere all’essenza della realtà, senza dissolverla, ma lasciando intatta la corteccia, l’involucro.

La seconda tappa del suo processo di maturazione artistica coincide con la collaborazione con gallerie private e pubbliche, che esposero sue opere, a partire dal 2002, a Bologna, Milano e Madrid ed in altre città italiane ed europee. Lo stile si scioglie dal latente influsso della pittura metafisica di Carlo Carrà e Giorgio Moranti e matura nella contaminazione di saperi diversi: grafica, informatica, chimica, tecnica fotografica e fisica della luce. La produzione degli ultimi anni si contraddistingue perché sapientemente orientata verso un discorso organico, in cui realtà e rappresentazione, tecnica e atto ideativo si incontrano e si interscambiano. L’adesione a concorsi nazionali completa il suo profilo di artista, proiettato verso ulteriori visuali, in quanto non c’è ricerca senza confronto, seppur indiretto attraverso i premi nazionali ed i concorsi.

L’opera di Luca Suelzu è dominata dagli oggetti o da squarci di paesaggio urbano: una realtà priva di orpelli, senza aggettivazione, essenziale, secca, che riconquista il primo piano. Lo sguardo dell’artista spazia intorno e ferma la sua attenzione su un particolare, che amplifica e precisa in un gioco di chiaro-scuro, vuoto-pieno fino a farlo diventare metafora della vita stessa. La tecnica è quella fotografica, non intesa come fedele riproduzione dell’oggetto, ma come potere dell’occhio che sceglie ed interpreta mettendo a fuoco i contrasti e le analogie. L’occhio capta i segreti che riproduce attraverso un linguaggio condiviso. Dalla foto all’immagine dipinta: un percorso intellettuale dal grande al piccolo, dal dettaglio all’insieme, dal molteplice all’uno, dalla fissità al movimento. Molteplici sono le direzioni di ricerca.

Il suo realismo non è solo forma, ma, soprattutto, è pensiero e ricerca che parte dal momento in cui l’artista cattura con l’occhio un aspetto della realtà, continua nell’attimo in cui scatta la foto, che è, perciò, solo lo strumento che più si avvicina all’immagine mentale. E’ la rappresentazione della percezione della realtà, non fotografia della realtà. Close Up 2 (Zipser) è un esempio eloquente dell’interesse e della ricerca dell’artista: un aspetto della realtà urbana viene fissato dall’occhio fotografico, come fosse memoria per l’eternità. Da lontano sembra un poster, anche perché la superficie è lucida e senza spessore. Solo l’osservazione avvicinata ci fa cogliere il valore profondo: quel particolare è stato scomposto in tanti moduli e ricomposto, mai allo stesso modo. Emerge una trama che contrappone la curvatura delle forme alle linee rette, verticali. Non fredda riproduzione della realtà, ma intreccio di linee che rappresentano il movimento, la vita sottesa che alimenta perfino il cemento. Non semplifica ma dilata e moltiplica per mettere in evidenza che nel tracciato è visibile l’ombra, la traslazione e la metafora della realtà, saldamente uniti alla matrice.

Non è animismo, bensì ricerca delle possibilità della mente umana, che, come occhio, cattura i dati della realtà, trasformati poi in immagini. Se l’uomo non può intervenire nella realtà, può farlo nella rappresentazione della stessa, trasformando, plasmando a suo piacimento.

Scrittura chiara, poetica limpida, perché naturale, rendono le sue opere di facile lettura: in realtà le superfici ordinate dei quadri sono nel profondo scosse dal riverbero della sua interiorità, sono animate da un’interpretazione indipendente ed, infine, sono vivificate da un linguaggio meditato.

La manipolazione del reale passa attraverso la reiterazione di uno stesso tema, alla variazione del tema attraverso elementi che risultano impercettibili nell’insieme visto nel suo complesso, mentre risultano evidenti se ci si sofferma nell’analisi. L’occhio restituisce la percezione di un’armonia musicale: l’organizzazione di varianti di uno stesso motivo richiama la melodia, cioè la successione di suoni/elementi in un percorso ordinato e coerente. L’accostamento alla musica non è casuale, perché Luca Suelzu utilizza la musica, che ama e studia con profondo interesse, per interpretare e ricostruire nella pittura la realtà. Alla base sta un ponderato lavoro di costruzione della sequenza, che, ripetendosi, genera il ritmo: scelta dell’elemento, impostazione della variabile, organizzazione della successione di dette variabili. L’occhio afferra la concatenazione delle varianti e la loro combinazione di forma, luce e colore, avverte l’intimo accordo, che suscita piacevoli sensazioni. In Waiting for 18 una poltroncina di teatro rappresentata in file parallele e tra loro sfalsate, costituisce un modulo, che, ripetuto all’infinito, compone un impalpabile spartito. Le forme sono creature della mente, che le fa vivere nell’istante in cui le differenza e le compone in una sinfonia di linee e tonalità di colore.

Altre volte la sequenza è studiata e rappresentata attraverso la contrapposizione vuoto-pieno, chiaro-scuro.

Luca Suelzu ama giocare con gli effetti della luce, evidenti soprattutto nel gioco del chiaroscuro che utilizza per dare risalto alle immagini, o meglio a quello cui le immagini rimandano. Non un chiaroscuro ombreggiato, come nel Rinascimento italiano, ma la sovrapposizione per lo più netta, talvolta graduata, di tonalità chiare a quelle scure. Richiama la grafica, tecnica a cui l’artista ricorre volentieri quando vuole “smaterializzare”, privare l’oggetto di consistenza materiale, per trasfigurarlo in altro. Il rapporto delle linee è invertito: il campo è scuro ed il volume delle figure è reso attraverso flash di colore chiaro. I contorni sono segnati in modo netto a delimitare le diverse figure, anche se poi nell’insieme non si percepisco lo stacco fra un volume e l’altro, come se ci fosse continuità fra chiaro e scuro, fra un oggetto e l’altro. L’effetto è sorprendente come si può vedere mettendo a confronto due dipinti con lo stesso soggetto: Playground (Emily play) è la rappresentazione enfatizzata di uno scivolo in un parco-giochi. Colori caricati, contrapposizione accentuata di tonalità di colori accesi, superfici dilatate, particolari iperbolici come la discesa a sinistra, che sembra una lingua. Il secondo Playground, invece, è frutto di una ricostruzione dello scivolo al computer, che lo ha rimodellato in una struttura tridimensionale. Da oggetto reale è stato trasformato in oggetto intellettuale: proiezione della mente che crea ed ammira il suo prodotto. Ha perso il riferimento ad ogni contesto storico-territoriale, ha perso consistenza e spessore: le pareti spesse sono diventate trasparenti e lasciano vedere l’interno, l’anima della struttura. Trasparente, nel senso di aperto alla vista, alla conoscenza. Lo spazio è diviso in due parti, la zona scura e la zona chiara: riprende il simbolo dell’immaginario collettivo che attribuisce alla luce il valore del bene, sia esso Dio o la razionalità, la conoscenza. Nell’opera il simbolismo rimane volutamente ambiguo: nella zona scura è collocato l’oggetto, scompaginato, perciò aperto alla conoscenza, mentre nella zona chiara si rispecchia il riflesso. Allo spettatore è lasciata la scelta di considerare la zona chiara o la zona scura decisiva alla conoscenza, o comunque simbolo, idea di cosa è dove può arrivare la conoscenza. E’ presa dell’oggetto? Oppure è rappresentazione interiore dell’oggetto?

Parallelamente Suelzu sviluppa un altro accostamento-contrasto: il vuoto/pieno. Una contrapposizione ripensata in relazione agli oggetti rappresentati: i riferimenti non sono visibili ma cerebrali. Già il fatto che in una tela lunga un metro e mezzo trovi collocazione un solo elemento crea il senso di vuoto, dilatato rispetto al pieno. Poi nelle sequenze e negli edifici o laddove ci sono più oggetti il pieno si raddoppia perché l’ombra appare come il gemello.

Anche Suelzu si è cimentato con il simbolismo: l’opera non è solo ricerca dei segreti della realtà, ma anche interpretazione della vita. Così Vanitas# 2 il teschio allude alla morte, alla fragilità, ed alla precarietà della vita umana. Gli oggetti collocati casualmente su una superficie, che potrebbe essere una tavola o il marmo di un sepolcro, ammoniscono sulla vacuità dell’esistenza e sulla sua precarietà L’insieme ricorda i dipinti di Hieronymus Bosch. Tutto è sospeso e se pure si coglie la riflessione sulla vita - la torta mangiata, il teschio -, i chiari riflessi di luce sulla superficie che appare liquida e riflettente, annullano le categorie spaziali di alto-basso. Più angosciante l’ombra che appare come un ghigno rivolto verso lo spettatore ed è il vero memento mortis.. La torta mezza mangiata può alludere alla vita vissuta, benché non sempre i riscontri sono puntuali; a volte, come in questo dipinto, l’indeterminatezza dello sfondo, della superficie di appoggio rappresentano con più efficacia comunicativa il senso del precario dei singoli oggetti.

In altro dipinto, Salva-anime (soul saviour ), il soggetto rappresenta un momento sereno dell’esistenza: un salvagente, a cui noi associamo il mare ed i bambini. Fuori dal contesto marino, collocato al centro del quadro, decorato in maniera precisa, con solennità quasi fosse una gloriosa corona, il tema richiama la salvezza dell’uomo, dell’anima. Niente di pesante, nessuna pressione verso il fare il bene, solo la leggerezza di un salvagente di plastica con cui i bimbi amano giocare. Il titolo, allusivo, spinge a riflettere sull’analogia fra salvagente e salvezza.

Raramente l’artista si discosta dall’uso del nero e delle sue gradazioni: sono colori che permettono di ottenere alti livelli di chiarezza e brillantezza. La chiarezza è il tocco di luce che sfuma le linee oppure sottolinea la plasticità di un oggetto. La brillantezza, invece, è collegata ad una fonte di luce ed induce l’occhio a cercare il punto di emissione. Brillantezza e chiarezza conferiscono al tema ricchezza di movimento nel succedersi delle varianti: così in Trittico Suelzu incrocia le varianti di colore a quelle relative alla struttura. Nell’insieme si ricava la percezione di oggetti uguali, se guardati a distanza, diversi se osservati da vicino.

Un esempio di dissolvenza del colore si ha in For your pleasure, dove le linee, il colore sembrano liquefarsi e fondersi insieme, fino a determinare il simulacro della carrozzella. Il quadro risulta spettrale: l’inversione al negativo sottolinea il senso della sofferenza, da cui sono connotate le carrozzelle. Diventano quasi il simbolo del dolore. Il dipinto fu segnalato fra migliaia di partecipanti al Premio Mondadori 2004. Altra opera in cui lo studio della forma e la ricerca del colore diventano primari, è Skateboard. Un oggetto usato nello sport, nel gioco perde la sua funzione originale e diventa altro. Non divertimento, né altra utilità: allungato, rovesciato, trasformato viene proposto come una scultura senza volto, come oggetto estetico, bello da vedere, curioso in quanto mostra le ruote in alto. Una scultura, un oggetto da arredamento: la superficie bombata, le linee sinuose, il colore compatto confermano il suo valore.

Una pittura che narra la quotidianità, una pittura che mette in campo soggetti comuni per poi trasfigurarli a simboli dell’esistenza stessa, una pittura che crea un proprio immaginario: la sapiente tecnica pittorica, lo stile rigoroso, la precisione del tratto caratterizzano l’opera di Luca Suelzu e la contraddistinguono. Una nota sul metodo di lavoro di Suelzu: ogni opera è segnata da lentezza, accuratezza, precisione, tempi lunghi per dar modo alla mente dell’artista di seguire le fasi della costruzione, di intervenire, di ideare nuove soluzioni. La pittura è uno spazio bianco dove organizzare e costruire forme polisemiche, in cui si fondono colore, architettura, grafica.

Il suo realismo altera la realtà, sfalda le certezze, insinua il senso di indeterminatezza come chiave di lettura della realtà.

LOREDANA MARANO